El avance de la música instrumental durante los siglos XVII y XVIII provocó la mejora de los diversos instrumentos musicales. Los primeros en mejorar fueros los de teclado como el órgano y el clavicémbalo, y luego la familia del violín.
El Barroco temprano ofrece formas bien definidas, y atendiendo a ciertos procedimientos compositivos es posible distinguir cinco tipos:
1) El tipo Ricercare, en contrapunto imitativo continuado, es decir no seccionales. Estas especies eran llamadas Ricercare, _Fantasía, fancy, capriccio, fuga y otros nombres.
2) El tipo de Canzonas, que alude a piezas en contrapunto imitativo discontinuo. Estas piezas conducen a la Sonata da chiesa.
3) Piezas basadas en una melodía dada o bajo. Principalmente con variaciones ( o partita), la passacaglia y la chacona
4) Danzas y otras piezas que formarán la suite.
5) Piezas en estilo de improvisación para teclado o laúd. Entre ellas la toccata, la fantasía o el preludio.
Ricercare
Derivado del motete vocal, el ricercare instrumental es practicado por los tañedores de laúd aunque es confiado a instrumentos armónicos como el órgano, el clavicembalo, etc. y será un precursor de la fuga
Pasacalle
Se origino en España como una marcha que se transformo rápidamente en una danza bastante sobria. Tiene un registro grave persistente. Las modificaciones melódicas o rítmicas son pocas. Bach, Buxtehude Couperin se encuentran entre sus compositores más destacados.
Preludio
El Barroco temprano ofrece formas bien definidas, y atendiendo a ciertos procedimientos compositivos es posible distinguir cinco tipos:
1) El tipo Ricercare, en contrapunto imitativo continuado, es decir no seccionales. Estas especies eran llamadas Ricercare, _Fantasía, fancy, capriccio, fuga y otros nombres.
2) El tipo de Canzonas, que alude a piezas en contrapunto imitativo discontinuo. Estas piezas conducen a la Sonata da chiesa.
3) Piezas basadas en una melodía dada o bajo. Principalmente con variaciones ( o partita), la passacaglia y la chacona
4) Danzas y otras piezas que formarán la suite.
5) Piezas en estilo de improvisación para teclado o laúd. Entre ellas la toccata, la fantasía o el preludio.
Ricercare
Derivado del motete vocal, el ricercare instrumental es practicado por los tañedores de laúd aunque es confiado a instrumentos armónicos como el órgano, el clavicembalo, etc. y será un precursor de la fuga
Pasacalle
Se origino en España como una marcha que se transformo rápidamente en una danza bastante sobria. Tiene un registro grave persistente. Las modificaciones melódicas o rítmicas son pocas. Bach, Buxtehude Couperin se encuentran entre sus compositores más destacados.
Preludio
La función primordial es ser “tocado antes” de una fuga o una suite de danzas. No tenía partitura escrita y se basaba en la improvisación. Más tarde J.S. Bach re-organizará el formato en “EL clave bien temperado” convirtiéndolo en un género mejor estructurado con recursos de la armonía y del contrapunto. Como ejemplo podemos citar: preludio y fuga en E Mayor de El clave bien temperado (Bach).
Toccata
A diferencia de la cantata que era para ser cantada, la tocata es para ser tocada pero particularmente por instrumentos de teclado. Su apogeo fue entre los organistas alemanes, mientras que los italianos la relegaron por la sonata. Algunos compositores fueron: Giovanni Gabrieli “Tocatas para órgano”, J.S. Bach “5 tocatas para órgano” , entre otros.
A diferencia de la cantata que era para ser cantada, la tocata es para ser tocada pero particularmente por instrumentos de teclado. Su apogeo fue entre los organistas alemanes, mientras que los italianos la relegaron por la sonata. Algunos compositores fueron: Giovanni Gabrieli “Tocatas para órgano”, J.S. Bach “5 tocatas para órgano” , entre otros.
Fantasía
Esta pieza nació en el siglo XVI en la escuela inglesa del virginal (pequeño instrumento de teclado y cuerdas pinzadas, antepasado del clavicémbalo). Adaptado a la improvisación, tuvo inmediatamente el favor incondicional de los organistas alemanes, de Reiken a Johann S. Bach. Es un fragmento de música desprovisto de cualquier regla fija. Por eso encontramos que los italianos e ingleses la convirtieran en parientes del ricercare, los alemanes un gran preludio, mientras que los franceses titularon así a sus arias operísticas. Algun ejemplo puede ser: Fantasías para clavicémbalo y para órgano (Bach).
Esta pieza nació en el siglo XVI en la escuela inglesa del virginal (pequeño instrumento de teclado y cuerdas pinzadas, antepasado del clavicémbalo). Adaptado a la improvisación, tuvo inmediatamente el favor incondicional de los organistas alemanes, de Reiken a Johann S. Bach. Es un fragmento de música desprovisto de cualquier regla fija. Por eso encontramos que los italianos e ingleses la convirtieran en parientes del ricercare, los alemanes un gran preludio, mientras que los franceses titularon así a sus arias operísticas. Algun ejemplo puede ser: Fantasías para clavicémbalo y para órgano (Bach).
Invención
Es una composición musical de corta extensión (normalmente para teclado) con una estructura contrapuntística a dos voces. Esta composición tiene forma imitativa: lo que hace una voz es repetida después por la otra, y es invertible, es decir, que las notas de una primera voz son armónicamente correctas respecto a la otra voz tanto si se posiciona por abajo por encima de esa voz primera. Estas composiciones suelen tener dos partes diferenciadas (bipartitas), y esto es importante ya que siendo repeticiones de temas que se van desarrollando en una armonía similar, podrían parecerse a un canon. Las invenciones más famosas son las quince que se reúnen en la primera parte de Invenciones y Sinfonías de Johann Sebastian Bach. Las invenciones no solían ser interpretadas en público, pero servían como ejercicios para los estudiantes de tecla, y como ejercicios pedagógicos para los estudiantes de composición.
Fuga
Surge a partir del motete renacentista y de la caccia. Un fragmento melódico de cada voz es presentado entrando por separado. El modelo rítmico y tonal de la fuga que pautará el carácter. Su formato recurre a la imitación, es decir, la repetición por una o mas voces o instrumentos de un motivo ofrecido por una fuente inicial de la que desciende. Fuga en sol menor para teclado (Bach). Hay distintos modelos de fuga: vocal, instrumental, libre, escolástica, etc.
La fuga está compuesta por cuatro partes:
1. La exposición. Es la primera parte, como así también la más importante. Consiste en la aparición del sujeto o tema principal, que será repetido por cada una de las voces (aunque este esquema no es de aplicación fija).
2. Sección media. Sigue a la exposición y en ella se introducen uno o más episodios de gran riqueza modulatoria: tonalidad relativa, subdominante o dominante. Es frecuente el uso de pausas o silencios de larga duración en esta segunda sección, con el propósito de que cuando aparezca nuevamente el tema, adquiera más relieve e interés.
3. Sección final. Generalmente empieza cuando el sujeto vuelve a la tonalidad inicial de la fuga y de aquí a la culminación de la obra.
4. Final. suele consistir en varios compases añadidos a la estructura principal, concluyendo así la obra con una floritura. Esta conclusión es la coda.
Es una composición musical de corta extensión (normalmente para teclado) con una estructura contrapuntística a dos voces. Esta composición tiene forma imitativa: lo que hace una voz es repetida después por la otra, y es invertible, es decir, que las notas de una primera voz son armónicamente correctas respecto a la otra voz tanto si se posiciona por abajo por encima de esa voz primera. Estas composiciones suelen tener dos partes diferenciadas (bipartitas), y esto es importante ya que siendo repeticiones de temas que se van desarrollando en una armonía similar, podrían parecerse a un canon. Las invenciones más famosas son las quince que se reúnen en la primera parte de Invenciones y Sinfonías de Johann Sebastian Bach. Las invenciones no solían ser interpretadas en público, pero servían como ejercicios para los estudiantes de tecla, y como ejercicios pedagógicos para los estudiantes de composición.
Fuga
Surge a partir del motete renacentista y de la caccia. Un fragmento melódico de cada voz es presentado entrando por separado. El modelo rítmico y tonal de la fuga que pautará el carácter. Su formato recurre a la imitación, es decir, la repetición por una o mas voces o instrumentos de un motivo ofrecido por una fuente inicial de la que desciende. Fuga en sol menor para teclado (Bach). Hay distintos modelos de fuga: vocal, instrumental, libre, escolástica, etc.
La fuga está compuesta por cuatro partes:
1. La exposición. Es la primera parte, como así también la más importante. Consiste en la aparición del sujeto o tema principal, que será repetido por cada una de las voces (aunque este esquema no es de aplicación fija).
2. Sección media. Sigue a la exposición y en ella se introducen uno o más episodios de gran riqueza modulatoria: tonalidad relativa, subdominante o dominante. Es frecuente el uso de pausas o silencios de larga duración en esta segunda sección, con el propósito de que cuando aparezca nuevamente el tema, adquiera más relieve e interés.
3. Sección final. Generalmente empieza cuando el sujeto vuelve a la tonalidad inicial de la fuga y de aquí a la culminación de la obra.
4. Final. suele consistir en varios compases añadidos a la estructura principal, concluyendo así la obra con una floritura. Esta conclusión es la coda.
Elementos de la fuga
- Sujeto: es el tema principal de la fuga, el elemento del que todo deriva. Generalmente sólo hay un único sujeto, pero existen fugas con dos o más sujetos.
Respuesta: es el tema a la 5ª del sujeto, es decir en el tono de la Dominante. En ocasiones, como en la fuga de la Tocatta y Fuga de J. S. Bach, la respuesta se encuentra en el tono de la subdominante, y cuando esto ocurre, esta respuesta, y por extensión la fuga completa, se le denomina Plagal.
- Contra-sujeto/s: son partes libres que acompañan tanto al sujeto como a la respuesta en la fuga. Puede haber uno, varios o ninguno.
- Episodios o Divertimentos: son partes en las cuales no se produce ninguna entrada ni del sujeto ni de la respuesta. El material temático de los episodios está generalmente extraído de elementos (motivos) del sujeto, la respuesta o los contra-sujetos. Rara vez aparece un elemento nuevo.
- Estrechos: ocurren hacia el final de la fuga, y en ellos las sucesivas entradas de los sujetos y respuestas (o sus diferentes combinaciones) se van “estrechando”, es decir, entra uno antes de que haya acabado el anterior.
- Nota pedal: suele aparecer hacia el final de la fuga un episodio construido sobre una pedal de Tónica o Dominante.
Suite
Se trata de una sucesión de danzas derivadas de bailes antiguos con ritmos contrastantes que perdieron su carácter esencial en el siglo XVIII, elaboradas en una misma tonalidad y en una forma simple binaria. Cuando eran compuestas para un instrumento y bajo continuo se denominaban sonata (de cámara).
Piezas básicas
- Alemanda (allemande). Danza de origen alemán, cortesana para una línea de parejas.
- Corrente (courante). Danza de origen francés, de carácter vivo.
- Zarabanda o Sarabande. Danza de origen español, de carácter pausado.
- Giga (gigue). Danza de origen inglés, rápida y llena de vida. Es la pieza que siempre cierra la suite barroca.
Piezas no básicas
- Obertura o Preludio
- Rondó (rondeau).
- Bourrée o borrèia: La bourrée (también borrèia1 ), es el término en idioma francés para designar una danza rápida de ritmo de cuatro por cuatro. La bourrée se utilizó en la suite barroca, en los ballets y las óperas francesas del siglo XVII y el siglo XVIII.
- Gavota (gavotte): La gavotte, o gavota, es una danza folklórica originaria de Francia que en sus orígenes se bailaba en corro. Se convirtió a finales del siglo XVI en una danza cortesana y hasta el siglo XVIII fue la base para muchas piezas instrumentales. Musicalmente se caracteriza por tener un compás binario en 2/2 o 4/4 con un tempo moderado y con frases musicales anacrúsicas.
- Pavana: Tiempo lento ternario. Generalmente sigue la forma binaria: AA1, BB1, etcétera. Generalmente usa contrapunto y acompañamiento homofónico El ritmo, (a menudo marcado por un tamboril) era 1/2-1/4-1/4 (blanca, negra) o similar, seguida por pequeñas variaciones melódicas. Raramente había blancas en el centro del compás. Forma musical, generalmente asociada con la Gallarda en suites.
- Gallarda: Composiciones musicales en forma de gallarda parecen haberse escrito e interpretado mucho después de caer el baile en desuso. En las suites y otras obras, la gallarda a menudo cumple un rol de "post-danza", escrita en 6/8, que sigue e imita a otra pieza, generalmente una pavana, escrita en 4. El ritmo distintivo del 6/8 puede ser todavía oído en canciones como God Save the Queen (himno nacional del Reino Unido) en las naciones del siglo XVI por el lado de Francia por los colonizadores de la Revolución Francesa.
- Minueto: el minué recibe un tratamiento bastante sencillo, con su claridad característica del ritmo y la frase conserva incluso el ocasional Double además parece estar libre de texturas complejas y ritmos ambiguos
- Siciliana.
- Chacona.
- Musette.
- Aire (air).
En Alemania recibió el nombre de Partita.
Piezas básicas
- Alemanda (allemande). Danza de origen alemán, cortesana para una línea de parejas.
- Corrente (courante). Danza de origen francés, de carácter vivo.
- Zarabanda o Sarabande. Danza de origen español, de carácter pausado.
- Giga (gigue). Danza de origen inglés, rápida y llena de vida. Es la pieza que siempre cierra la suite barroca.
Piezas no básicas
- Obertura o Preludio
- Rondó (rondeau).
- Bourrée o borrèia: La bourrée (también borrèia1 ), es el término en idioma francés para designar una danza rápida de ritmo de cuatro por cuatro. La bourrée se utilizó en la suite barroca, en los ballets y las óperas francesas del siglo XVII y el siglo XVIII.
- Gavota (gavotte): La gavotte, o gavota, es una danza folklórica originaria de Francia que en sus orígenes se bailaba en corro. Se convirtió a finales del siglo XVI en una danza cortesana y hasta el siglo XVIII fue la base para muchas piezas instrumentales. Musicalmente se caracteriza por tener un compás binario en 2/2 o 4/4 con un tempo moderado y con frases musicales anacrúsicas.
- Pavana: Tiempo lento ternario. Generalmente sigue la forma binaria: AA1, BB1, etcétera. Generalmente usa contrapunto y acompañamiento homofónico El ritmo, (a menudo marcado por un tamboril) era 1/2-1/4-1/4 (blanca, negra) o similar, seguida por pequeñas variaciones melódicas. Raramente había blancas en el centro del compás. Forma musical, generalmente asociada con la Gallarda en suites.
- Gallarda: Composiciones musicales en forma de gallarda parecen haberse escrito e interpretado mucho después de caer el baile en desuso. En las suites y otras obras, la gallarda a menudo cumple un rol de "post-danza", escrita en 6/8, que sigue e imita a otra pieza, generalmente una pavana, escrita en 4. El ritmo distintivo del 6/8 puede ser todavía oído en canciones como God Save the Queen (himno nacional del Reino Unido) en las naciones del siglo XVI por el lado de Francia por los colonizadores de la Revolución Francesa.
- Minueto: el minué recibe un tratamiento bastante sencillo, con su claridad característica del ritmo y la frase conserva incluso el ocasional Double además parece estar libre de texturas complejas y ritmos ambiguos
- Siciliana.
- Chacona.
- Musette.
- Aire (air).
En Alemania recibió el nombre de Partita.
Sonata
No es antecedente de la sonata clásica. Se trata de un tipo de composición con un diseño diferente. Su máximo desarrollo es debido a la popularidad y al desarrollo de habilidades técnicas con el violín, aunque también hay obras para flauta, oboe, viola da gamba y otros instrumentos.
El acompañamiento solía ser para clavicémbalo (u otro instrumento de la familia) y no tenia parte propia (solista). Constaban de 4 movimientos: Adagio – allegro – Largo – Allegro.
Sonata en trío
Sonata en trío
Es quizás la pieza mas representativa del barroco instrumental. Destinada a ser “tocada” con los instrumentos nació y se desarrolló en el siglo XVII. Los italianos cultivaron dos géneros: la “sonata da chiesa” (de iglesia) y la “sonata da camera” (cámara). Se ejecutaba generalmente en dos violines para las partes superiores y un violonchelo o viola da gamba para el bajo continuo, cuya realización en acordes viene asegurada por un cuarto interventor: el clavicémbalo, el laúd o el órgano. Podemos mencionar a Giovanni Gabrieli sonata a tre voci, Henry Purcell con sonatas en tres partes.
Concerto no es concierto
Primero hay que aclarar que aunque la palabra Concierto deriva de Concerto, en la forma musical no es lo mismo. La brevedad del Concerto es el factor distintivo, además que elabora un solo tema por cada movimiento (como toda forma barroca). El concierto se construye con dos temas para el primer movimiento,uno para el segundo y hasta tres para el tercero.
El término Concerto (del latín concertare, luchar, rivalizar, y sinónimo de acordar) comenzó a utilizarse en Italia para piezas vocales, luego el rol vocal fue sustituido por el instrumental.
Concerto Grosso
Concerto Grosso
Durante los últimos años del Siglo XVII y la primera mitad del siglo XVIII, la forma mas conocida y desarrollada en la música instrumental fue el concerto grosso. Aquí concertan dos grupos: el concertino (integrado por 2, 3 o 4 instrumentos) y el tutti o ripieno (relleno). Consta de varios movimientos que se desarrollaron alternando el contraste de dos masas tímbricas enfrentadas, en una relación antifonal.
Otro ejemplo de Concerto grosso son los 6 Conciertos Brandenburgueses BWV 1046 de Bach
Concerto a solo
El instrumento solista hace la parte del concertino como en el caso del Concerto para violin Nº 2 BWV 1042 de Bach. Además tenemos los concerti para Flauta de pico de Telemann
Ópera sinfónica u Obertura
Este género se separo de la ópera y se conformó como pieza relativamente de corta extension y de estilo libre: preludio, tocatas, fantasías, etc.
Obertura
La obertura es una pieza instrumental que sirve como preludio a una ópera, un oratorio... En las óperas de principios del siglo XVII, la obertura se utilizaba como señal para llamar la atención del público antes de empezar la obra.
Los estilos de moda en cada país fueron el origen de dos tipos de oberturas, la "francesa", desarrollada por J. B. Lully y la "italiana", introducida por A. Scarlatti.
La orquesta en el Barroco
En el siglo XVII la orquesta era un conjunto variable de instrumentos cuya selección dependía en muchos casos del número de músicos disponibles en un determinado momento. Aunque Claudio Monteverdi ya indicó expresamente los instrumentos que debían interpretar la parte instrumental de su ópera Orfeo esto no era lo habitual. Normalmente los intérpretes, muchas veces también compositores, daban rienda suelta a su imaginación creando variadas combinaciones tímbricas y tendiendo muchas veces a la improvisación.
Hacia 1700, muchos instrumentos se perfeccionaron técnicamente. Por ejemplo, la familia del violín se impuso gradualmente a la de la viola, aunque algunos miembros aislados de esta familia de siguieron usando en algunas obras (por ejemplo la viola da gamba, utilizada en algunos pasajes de la “Pasión según San Mateo” de J.S.Bach). No hay que olvidar que el grupo de instrumentos de la familia del violín (violín, viola, violonchelo y contrabajo) van a ser el núcleo central de la orquesta. En lo que respecta a los instrumentos de viento comenzó a usarse el corno de caccia, antepasado de la trompa y la flauta travesera se impuso a la flauta de pico, aunque ésta aún se utilizó en algunas composiciones orquestales. Por otra parte, en la época de J. S. Bach las designaciones instrumentales indicadas por los compositores en sus partituras eran confusas. Por ejemplo, la expresiónclarino que se encuentra en algunas cantatas de Bach designa el registro determinado de un instrumento (trompa o trompeta). Sólo los factores musicales podían, en última instancia, decidir sobre el instrumento elegido. De todo, se deduce que la orquesta barroca, a pesar de evidentes progresos, no había alcanzado aún un grado de uniformidad, ni delimitado la constitución de una plantilla básica. No obstante puede hablarse de un instrumental más o menos fijo:
PLANTILLA DE LA ORQUESTA BARROCA
| ||||
CUERDAS
|
VIENTO MADERA
|
VIENTO METAL
|
PERCUSIÓN
|
TECLA
|
Violines
Violas Violonchelos Contrabajo |
2 Flautas
2 Oboes 1 o 2 Fagotes |
2 Cornos
2 Trompetas |
Timbales
|
Órgano Clavicémbalo
(Bajo Continuo) |
En ocasiones se empleaban sonoridades diferentes como las de los oboes d ´amor, oboes d ´caccia, laúdes, mandolinas, flautas de pico... Durante el Barroco, no existía todavía el director de orquesta tal y como lo conocemos hoy en día. Normalmente el intérprete del primer violín, del clavicémbalo o del órgano, también llamado maestro de concierto, se encargaba de dirigir al resto de los músicos desde el lugar en el que estaba sentado.
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